The Films Of Robert Bresson: A Retrospective

“; We gaan nog steeds akkoord met Robert Bresson, en de eigenaardige kracht en schoonheid van zijn films, ”; Martin Scorsese zei in het boek 2010 “;Een passie voor film, ”; beschrijft de vaak over het hoofd geziene Franse filmmaker als “; een van de grootste artiesten van de cinema. ”;



Maar hoewel hij misschien door sommigen wordt vereerd als de beste Franse filmmakerbar Jean Renoir, buiten hardcore cinefiele kringen zijn hij en zijn films vrijwel onbekend (misschien als te ondoorzichtig of vaag beschouwd). Denk maar aan het feit dat bijna elk definitief boek over de ongrijpbare regisseur werd gepubliceerd tijdens de aughts om de volledige waarheid te voelen van de verklaring van Scorsese over hoe we nog steeds bezig zijn zijn leven en werk te waarderen en te begrijpen. Zelfs de werkelijke geboortedatum van Bresson wordt betwist, waardoor de dubbelzinnigheden rondom de regisseur nog verder toenemen.

“; Maak zichtbaar wat, zonder jou, misschien nooit is gezien, ”; zei de nauwgezette Bresson ooit beroemd, hintend naar wat zijn bestaansreden zou kunnen zijn: de attributen en conventies van het bewegende beeld overstijgen en alle dingen destilleren tot hun essentie van alle dingen. Deze eindeloze, bijna religieuze zoektocht naar een soort filmische goddelijkheid - het verlangen om verder te gaan dan het lichamelijke - in combinatie met Bresson ’; s katholicisme heeft menig criticus gedwongen hem te beschrijven als een spirituele filmmaker of zelfs, meer categorisch, een flat-out religieuze. En terwijl er, zoals Scorsese het zegt, een “; eigenaardige macht ”; aan de raadselachtige kunst van Bresson, een onuitsprekelijke kwaliteit die doet draag een ongrijpbare spirituele mien, om Bresson in te sluiten als een religieuze filmmaker veel te beperkend is. Auteur Kent Jones verwierp ook dit idee, in plaats daarvan verkoos hij zich te concentreren op wat hij beschreef als “; de sensuele details ”; van Bressons kunst in zijn 2008 BFI-boek over de filmmaker.



Beschreven als een “; schilder ”; van films en bekend om zijn formele soberheid, economische strengheid, contemplatieve afstand en minimalistische benadering, is Bresson nog steeds een van de meest contra-intuïtieve filmmakers ooit, zich terugtrekkend waar anderen krachtige technieken uit de bioscoop zouden binnenhalen en verlaten, zoals de close-up en muzikale onderstreping. Maar pervers, door vrijwel het tegenovergestelde van traditionele filmgrammatica te gebruiken, bereikte hij bijna altijd het merkwaardige effect van het dwingen van de kijker om dieper op te letten.



Deze unieke benadering strekte zich uit over alle aspecten van zijn producties: Bresson stopte beroemd met het gebruiken van professionele acteurs na zijn tweede film en begon zelfs naar zijn thespians te verwijzen als “; modellen ”; in plaats van acteurs. “; Films kunnen alleen worden gemaakt door de wil van degenen die erin verschijnen te omzeilen, niet door te gebruiken wat ze doen, maar wat ze zijn, ”; hij zei eens nogmaals, sprekend op zijn verlangen om alle dingen te strippen tot een wezen, een zelf, een ziel. Hij was altijd een eigenzinnige en compromisloze visie.

Regisseerde in veertig jaar slechts dertien films (en een film ontbreekt) in een welbewust tempo, maar creëerde een langdurig en onuitwisbaar oeuvre dat nog steeds wordt onderzocht, besproken en behandeld. Zonder autobiografie en een beperkt aantal interviews beschikbaar - althans in vergelijking met de gemiddelde auteur - heeft de filmmaker een nog diepere mystiek bereikt, waardoor kijkers hun eigen emotionele en psychologische interpretaties op zijn vrije beelden projecteren. Misschien was dat de hele tijd het punt: de ascetische, objectieve en schaarse aard van zijn werk creëert een breed doek dat de zorgvuldige kijker uitnodigt en omhult en ons verrukt maakt.

Maar wat de individuele reacties ook zijn, Bressons sterke poëtische meditaties over lijden, redding, vervreemding en de menselijke conditie zijn diepgaande, opvallende werken die werken op een vlak dat weinig filmmakers kunnen raken. Na een opwekking om Filmforum eerder in het jaar dachten we Bam Cinematek’; s die momenteel retrospectief van het werk van de filmmaker lopen, was een geschikt moment om dit onderstekende titan ’; s oeuvre te verkennen en te onderzoeken. En dus, hieronder beginnen we met zijn vroege, bijna conventionele werken, gaan we door naar zijn tweede-fase Spartaanse portretten van menselijke ellende en lijden, en nemen we je mee naar de derde act van zijn carrière, bestaande uit niet-sentimentele sociale kritieken, vaak gebaseerd op de boeken van dostoevsky. We hopen dat het sommigen van jullie inspireert om zijn werk te zoeken.

'Angels of Sin'(1943)
Gemaakt in 1943 tijdens de nazi-bezetting van Frankrijk, negen jaar na zijn korte, “;Public Affairs, ”; (wat niet minder een komedie was), “;Engelen van zonde”; was de eerste lange speelfilm van Bresson ’; Een samenwerking met toneelschrijver Jean Giraudoux en Dominicaanse priester en schrijver, Vader Bruckberger, het verhaal volgt een welgestelde jonge vrouw Anne-Marie (Renhet isen Faure) die besluit zich bij een klooster aan te sluiten, waar de nonnen werken aan het rehabiliteren van vrouwelijke gevangenen (het klooster had een real-life model). In de gevangenis ontmoet ze Thérèse (Jany Holt), die de hulp van de nonnen weigert, omdat ze beweert dat ze onschuldig is aan de misdaad waarvoor ze is veroordeeld. Nadat ze uit de gevangenis is vrijgelaten, neemt Thérèse wraak op haar voormalige geliefde, de man die haar heeft ingelijst, en verbergt zich daarna in het klooster, tot grote vreugde van Anne-Marie, die gelooft dat ze redding zoekt in plaats van zich gewoon te verbergen de politie. Het is iets van een spirituele thriller, waarbij de twee vrouwelijke hoofdpersonen beiden verlossing zoeken vanuit twee verschillende perspectieven, dat van zondaar en potentiële heilige. Uiteindelijk vinden ze echter hun verlossing in elkaar, hoewel Bresson de absolute weigering weigert en noch de vrouw helemaal goed noch volledig kwaad vindt. In tegenstelling tot de meeste van zijn films zijn de cast hier professionele acteurs en schitteren de twee hoofdrollen, met name Jany Holt. Het wordt beschouwd als de meest “; conventionele ”; van de regisseur; functie in termen van acteren, muziek (zijn enige film met een originele partituur), dialoog en plot, maar het spirituele onderwerp en de relatieve dunheid van de filmstijl voorspellen de toekomstige films van Bresson. [B]

“;De dames van het Bois de Boulogne”; (1945)
Als de films van Robert Bresson worden gekenmerkt door hun ascetisch minimalisme, diegetische geluid en algehele soberheid, dan is zijn tweede foto, “;De dames van het Bois de Boulogne,”; is misschien zijn meest dynamische, en is daarom een ​​afwijking tot in zijn weelderige omgeving. Hoewel nog steeds relatief rustig en langzaam tempo, krijgen we bloei van dramatische scores, stemming en verhaal die op zijn minst enige gelijkenis vertonen met een Hollywood-melodrama of een film die misschien zou kunnen zijn geregisseerd door Jean Cocteau (wie schreef het) of zelfs Jean Renoir. Dit komt grotendeels omdat ‘ Bois de Boulogne ’; was de laatste film van Bresson met een cast die volledig was samengesteld uit professionele acteurs en de echte, vrije, ontmanteling van zijn werk zou pas echt beginnen met zijn volgende film. Het verhaal gaat over een vrouw die wordt geminacht, en als de hel geen woede heeft zoals die, heb je niets gezien tot je deze wraakzuchtige spitsmuis ziet. De film speelt zich af als een bijna-romantische tragedie rond twee oude maar casual liefhebbers, Hélène (Maria Casares) en Jean (Paul Bernard), die ook genieten van relaties met anderen. Maar dingen veranderen plotseling wanneer Jean aan Hélène bekent dat zijn liefde afneemt en hij hun relatie met een “; just friends ”; toestand. Ze is te trots om haar ontstemde ware gevoelens te tonen, veinselt onverschilligheid en stemt in en ze besluiten hun eigen weg te gaan. Maar in plaats van te rouwen om hun liefde, is Hélène van plan wrede vergelding te eisen door de lieve, jonge Agnes (Elina Labourdette), een cabaretdanser en prostituee op het pad van Jean. In een manipulerende pretentie van vrijgevigheid en mededogen besluit Hélène de moeder van het meisje te betalen om haar naar een appartement in de buurt te laten verhuizen - een meesterlijk plan in het spel te brengen dat de geslagen Jean die niets van Agnes ’ weet snel vasthaakt; Verleden. Wanneer haar geheim wordt onthuld nadat ze zijn getrouwd, Jean te schande maken, neemt Hélène haar slechte wraakzuchtige wraak met een diepe, duivelse voldoening die voor die dag schokkend moet zijn geweest. Een betraand, gelukkig einde voelt echter aan alsof Bresson zijn ware aard opnieuw beoordeelt - iets wat hij vanaf nu niet vaak meer zou doen. [B]

de Ierse theaterlijst

“;Dagboek van een landelijke priester”; (1951)
Dienend als het prototype voor de stevige filmtaal van Bresson, is zijn derde film een ​​ongelooflijk ontroerend verslag van een onschuldige heilige man (een verbazingwekkend goede Claude Laydu) neigt naar zijn eerste parochie in een ongewenst plattelandsdorp. De priester noteert openhartige gedachten in zijn dagboek en merkt dat hij vanaf de eerste dag lijdt: zijn maag heeft moeite met het verwerken van iets anders dan oud brood gedrenkt in zoete rode wijn, de oudere predikers kleineren hem vaak en de plaatselijke bevolking geeft hem vaak de koude schouder. Het gebrek aan gastvrijheid door de stedelingen komt waarschijnlijk voort uit zijn jeugd en ook een ongelukkige timing, omdat zijn eerste gezicht in Ambicourt is van een graaf die met de tutor van zijn dochter knuffelt. Gezien de roddelachtige aard van bijna iedereen in de film, is het zeker dat Laydu het slachtoffer was van een vervelende fluistercampagne, maar de toegewijde priester weigert zijn verantwoordelijkheid op te geven aan de mensen, ongeacht of ze reageren of niet. Hoewel de filosofie van de regisseur over filmmaken, hier voor het eerst de vrije loop gelaten, in eerste instantie vervreemdend klinkt (specifiek hij eiste ontelbare pogingen om zijn 'modellen' van elke berekende emotie leeg te maken), resulteert het eigenlijk in iets enorm krachtig. Door te vertrouwen op de natuurlijke uitstraling van zijn belangrijkste model - Laydu, wiens gezicht het toppunt is van onschuld en geduld - roept hij een zeer pure emotionele reactie op, waar zelfs een scène met de rush van een motorrit (en de glimlach die het wekt) wordt ongelooflijk indrukwekkend. Ondanks de vele elementen die de geestelijke verslaan, behoudt hij min of meer zijn geloof, en deze positieve zekerheid wordt weerspiegeld in de esthetiek van de film: te midden van de isolerende omlijsting verbindt Bresson vaak scènes met abnormaal lange kruisoplossingen die de film een soepele, kalmerende kwaliteit. Deze keuze zorgt er ook voor dat deze zich onderscheidt van de rest en vermijdt het pessimistische gevoel dat veel van zijn films uitstralen. De werkstijl van Bresson op deze foto zou de rest van zijn carrière beïnvloeden en echoën, maar de film is en was ook een op zichzelf staande triomf: na zijn slecht ontvangen “;De dames van het Bois de Boulogne”; het won acht internationale prijzen, waaronder de Grand Prize op de Internationaal filmfestival van Venetië. [A]

“;Een ontsnapte man”; (1956)
De diepgaande effecten van Bressons persoonlijke ervaringen tijdens zijn 18 maanden in een Duits krijgsgevangenkamp worden diep gevoeld in wat misschien wel het toppunt van zijn catalogus is, “;Een ontsnapte man. ”; Gebaseerd op de memoires van André Devigny, die in 1943 tijdens de Tweede Wereldoorlog uit Fort Montluc in Lyon ontsnapte, Bresson ’; s vierde speelfilm is intens, ademloos spannend en toch misschien een van de stilste en meest minimalistische “; thrillers ”; ooit gemaakt. Zo naakt en schaars als al zijn films, aan de ene kant van de gevangenismuren liggen nazi-soldaten met hun pistolen, terwijl aan de andere kant een verwoeste, magere ziel van een man zit, met een brandende wil om te overleven. Verteld in de gefluisterde stilte van gevangenen die geen aandacht op zichzelf wilden vestigen, de stilte in “; A Man Escaped ”; is zenuwslopend en op de typisch contra-intuïtieve manier van Bresson voert het de spanning centimeter voor centimeter op met stiltes, momenten van intieme details en de altijd aanwezige dreiging betrapt te worden. Zeker dat zijn lot uitvoering is, Lt. Fontaine (een onvergetelijke Francois Leterrier) probeert te ontsnappen met alle middelen die nodig zijn, of het nu gaat om samenspanning met andere potentiële ontsnappingen, of om ingenieus zelfgemaakt gereedschap te bouwen van gestolen lepels. Zoals in “;Zakkenroller, ”; Bresson is gefascineerd door het proces, details en mechanica van ontsnapping, en hoewel de film een ​​bijna ondraaglijke studie van opsluiting kan zijn, is het ook een verhelderend en diep gevoeld onderzoek van het innerlijke zelf. Ondanks al het gepraat over goddelijkheid en religie in zijn werk, bestaat dit diep sobere en claustrofobische portret van een man die verlossing zoekt, echt in een staat van genade, en is de heiligste ervaring van Bresson. [A +]

walking dead aflevering 15

'Het proces van Jeanne d'Arc'(1962)
Een van Bresson ’; s kortere werken, die slechts 61 minuten lopen, is duidelijk dat met 'Het proces van Jeanne d'Arc'De regisseur begreep de kracht van economie en weigerde het verhaal onnodig uit te wissen. Het begint met Joan (Florence vertraging) al gevangen genomen en geconfronteerd met een proces door toedoen van het Engelse gerechtelijk apparaat voor haar aandeel in het leiden van de Franse troepen naar oorlog tegen de Engelsen. Tijdens het proces onthult de 19-jarige Joan dat ze handelde op aandringen van de heiligen, waarbij God Zelf in visioenen voor haar verscheen. Joan, aangevallen voor alles, van haar kleding tot haar claims van maagdelijkheid, wordt beschuldigd van hekserij. Ze houdt zich echter aan haar wapens, ook al betekent dit dat ze levend wordt verbrand. Op dezelfde manier als Dreyer ’; s “De passie van Jeanne d'Arc,”Bresson ’; s “; Het proces van Jeanne d'Arc ”; vertrouwt op het bronmateriaal van het historische transcript van Joan ’; s ketterij proces. Met klassiek Bressonian naturalisme en ingehouden, neutrale uitvoeringen, heeft de film een ​​ingetogen kwaliteit, ontdaan van alle denkbare verfraaiing van de dialoog, sets en kostuums. Zoals hij echter al vele malen eerder heeft bewezen, gedijt Bresson in eenvoud, en de monochromatische omlijsting is gecontroleerd en precies, terwijl zijn bewondering en sympathie voor Joan duidelijk worden aangegeven in de hele film, waardoor haar slachtofferschap bijna ondraaglijk is om naar te kijken. De film wordt uitgevoerd met uiterste trouw aan de realiteit, zonder overacting of gekunstelde shots, en de transcripties worden bijna woord voor woord afgeleverd, waardoor het ernstige leven van de plechtige ernst van het proces tot leven komt. Dit strekt zich zelfs uit tot zijn heldin; De vertraging ziet er klein en zwak uit, noch de pseudostrijder Joan die we elders vaak in foto's en films krijgen, noch de etherische Joan van Dreyer. Haar kracht ligt wat Bresson betreft in de geest van haar overtuigingen en haar geloof. [B]

'Zakkenroller'(1959)
“; Een oud ding wordt nieuw als je het losmaakt van wat er meestal omheen ligt, ”; Bresson zei ooit, misschien verwijzend naar deze film uit 1959. Een eigenwijs dief die flirt met vrees door de autoriteiten, het ingetogen meisje dat hij zal liefhebben en de geduldige agent die wacht op de crimineel om zijn enige valse beweging te maken: dit zijn allemaal de klassieke ingrediënten van een misdaadfilm. Maar in de handen van Bresson zijn deze traditionele elementen allesbehalve, en wat er gebeurt zou grenzen aan een deconstructie van de vorm als zoiets de filmmaker interesseert. Losjes geïnspireerd door Dostojevski'S “;Misdaad en straf”; en naar verluidt beïnvloed door Sam Fuller’; s “;Ophalen in South Street, ”; Bresson ’; s “;Zakkenroller”; inspireert bijna religieuze ijver van zijn vele vurige bewonderaars. In zijn “;Transcedentale stijl”; tome op Bresson, Carl Theodor Dreyer en Yasujiro Ozu, regisseur / scenarioschrijver Paul Schrader (scenarioschrijver van “;Taxi chauffeur”;) beschrijft dit unieke portret van de criminele geest, dat hij zijn meest invloedrijke werk noemt, als een “; onmiskenbaar meesterwerk. ”Een 75 minuten (veel van zijn films waren precies en to the point), en natuurlijk een verhaal van misdaad en verlossing, “; Zakkenroller ”; draait om een ​​arrogante jonge dief (Urguayan onbekend Martin LaSalle) die zo verliefd wordt op en verslaafd raakt aan de kunst van het zakkenrollen dat het een dwang wordt die hij niet kan stoppen, ook al weet hij dat hij flirt met een ramp. Bijna stil (het grootste deel van de dialoog is voice-over), en net als de hoofdrolspeler, bijna in de ban van de kunst van legerdemain, is de strakke camerachoreografie van Bresson adembenemend; bijna een zen-achtige studie van handigheid. Maar terwijl de sequenties die zich richten op de mechanica van prestidigitatie en de spanning van bijna betrapt worden, diep absorberen en aangrijpend met spanning gevuld, is de film meer dan alleen goed gemaakt. Bresson speelt zijn eigen emotioneel afstandelijke spel van kat en muis met de kijker en vervult ons met angstige angst tot de explosie van onverwachte emotie in de laatste, stralende climax van redding. [B +]

“;Willekeurig Balthazar”; (1966)
'Iedereen die deze film ziet zal absoluut verbaasd zijn, want deze film is echt de wereld in anderhalf uur', schreef Jean-Luc Godard, een felle bewonderaar van dit meesterwerk uit 1966. Ongetwijfeld zijn beste uur naast “;Een ontsnapte man,”; Het vijfde kenmerk van Bresson is ook zijn meest barmhartige en emotionele, terwijl hij nog steeds die handelsmerkreserve behoudt, in de sombere observatie van het tragische lot van zijn eerlijke, onschuldige protagonisten. Inspiratie ontlenen aan Dostojevski'S “;De idioot, ”; de plot vertelt het leven van Marie (Anne Wiazemsky, een van de zeldzame niet-professionals van Bresson die daarna een opmerkelijke acteercarrière heeft doorlopen), een verlegen boerderijmeisje, en volgt het verhaal van haar geliefde ezel (die ze Balthazar noemt) terwijl hij wordt doorgegeven van eigenaar op eigenaar - sommige onmenselijk, anderen mild sympathiek, maar meestal neigend naar het sadistische. Helaas en ironisch genoeg loopt het helse bestaan ​​van Balthazar parallel met dat van Marie, aangezien het jonge meisje door de jaren heen op dezelfde manier emotioneel, psychologisch en fysiek wordt misbruikt. Een hartverscheurend en diep ontroerend beeld met een van de meest nobele en krachtige “; uitvoeringen ”; door een dier op het scherm ooit, de grotendeels geaccepteerde interpretatie van ‘ Balthazar ’; is als een allegorie voor een heilige die spirituele transcendentie bereikt door zijn beproevingen zonder klagen te doorstaan ​​in aanwezigheid van uitbuiting en kwaadaardigheid. Hoe dan ook, het valt niet te ontkennen dat Bresson een wrede, wrede wereld is en dit onderzoek naar oneerlijk en onrechtvaardig menselijk lijden is verwoestend, diepgaand en hartverscheurend. [A +]

“;Mouchette”; (1967)
De regisseur keerde terug naar het werk van Georges Bernanos voor zijn eerste speelfilm na de mijlpaal “;Willekeurig Balthazar, ”; in een snelle ommekeer die waarschijnlijk de eveneens sombere toon beïnvloedde. Beroofd op school en gedwongen om te zorgen voor haar zieke moeder en baby broers en zussen thuis, het titulaire karakter (Nadine Nortier) heeft weinig om vrolijk over te zijn, met zelfs een moment van potentiële legitieme menselijke connectie bij een carnaval dat snel wordt verpletterd door haar dronken vader. Ze merkt echter dat ze na een nacht met een epileptische stroperij een kort doelbewust doel heeft - denkend dat hij een gamekeeper in een handgemeen zou hebben vermoord, maakt hij haar deel van zijn alibi en gaat ze vervolgens ontmaagden. Dit evenement verandert het jonge meisje, dat zich vervolgens zelfverzekerder vasthoudt. Helaas heeft haar innerlijke verandering geen invloed op de sombere en verarmde wereld om haar heen, en ze blijft de last van het bestaan ​​van dit bestaan ​​volkomen ondraaglijk vinden. Bresson wordt vaak gezien als minimalistisch van vorm, maar hoewel hij vet snijdt zoals hij een Yahoo-directeur is, is het belangrijk om het verschil tussen hem en ernstiger minimalistische filmmakers op te merken: scènes zijn gevuld met talloze bewegingen en acties, allemaal versterkt door de nieuwsgierige camera van de regisseur en samengesneden in een specifiek ritme. Deze film heeft aantoonbaar enkele van de best geconstrueerde scènes die hij ooit heeft gemaakt: de spelmeester die de snode stroper op het werk observeert, is stil en mysterieus spannend (Hitchcock zou trots zijn), terwijl een handgemeen tussen Mouchette en haar onderwijzer over haar zang aanvoelt als een stukje leven, een ongemakkelijke herinnering die we allemaal liever vergeten. Nogmaals, Bresson werkt aan figuren geïsoleerd door hun samenlevingen, maar hij vermijdt repetitief te zijn door zijn consequent opvallende beelden, zoals het laatste moment van Mouchette die zichzelf aan het meer geeft (een reeks opnieuw vereeuwigd in 2003 voor Bernardo Bertolucci’; s “;De dromers”;). Een geconcentreerd portret van menselijk lijden, “; Mouchette ”; wordt vaak hoog aangeschreven naast zijn broer ‘ Balthazar ’; en ontving ook het stempel van goedkeuring van Jean-Luc Godard, die een trailer voor de film heeft geknipt, die zijn respect toont, in zijn eigen (natuurlijk) “; cute ”; kleine weg. [EEN]

“;Een zachte vrouw”; (1969)
Bresson ’; s eerste film in kleur, “;Een lieve vrouw”; ( “Een zachte vrouw“), Is gebaseerd op de dostoevsky kort verhaal “;Een zacht wezen. ”; Het verhaal richt zich op de onkenbare innerlijke wereld van ‘ de zachte vrouw ’; Elle, die we ontmoeten aan het begin van de film direct nadat ze zelfmoord pleegt. Het verhaal wordt verteld in flashbacks verteld door haar pandjesmakelaar, Luc, terwijl hij probeert te begrijpen wat haar ertoe bracht zelfmoord te plegen. Ze ontmoetten elkaar in zijn winkel en hij, getroffen door haar schoonheid, volgde haar huis, trouwde met haar ondanks haar eerste protesten. Een vreemde combinatie vanaf het begin, de pandjesbaas vindt zichzelf niet in staat om zijn vrouw volledig te begrijpen zoals hij wil: hij spreekt haar aan met uitstapjes naar de opera, koopt haar platen en boeken, maar toch is ze niet ’; t gelukkig. Luc wordt meer onderdrukkend en Elle wordt meer teruggetrokken, totdat ze op een nacht naar een pistool reikt om hem te doden, maar niet in staat is de trekker over te halen. In plaats daarvan ontsnapt ze aan de enige manier waarop ze, door de dood, een gemeenschappelijke ontsnapping voor de personages van Bresson. Terwijl ons het verhaal wordt verteld vanuit het gezichtspunt van de echtgenoot, blijft de wereld van zijn vrouw mysterieus, altijd verborgen net buiten beeld. Interessant is dat, hoewel Bresson al zijn acteurs 'modellen' noemde, deze een echt model uit de jaren 60 bevatte, Dominique Sanda in haar schermdebuut (ze speelde later in Bertolucci’; s “;De conformist”;), hoewel vreemd genoeg Sanda werd gecast op basis van haar stem. De uitvoeringen zijn typisch Bressonian, met weinig emotie of reactie weggegeven door expressie, hoewel de zachte subtiliteiten van Sanda's gezicht en bewegingen verwijzen naar haar innerlijke onrust. De visie van Bresson op materialisme versus spirituele vervulling wordt duidelijk gemaakt in deze film, met hints dat de obsessie van de pandjesbaas met geld en “; dingen ”; leidde tot de wanhoop van zijn vrouw en ergo haar dood. [B +]

“;Vier nachten van een dromer”; (1971)
Bresson keerde opnieuw terug naar de korte verhalen van Dostojevski voor inspiratie met 'Vier nachten van een dromer, 'Gebaseerd op een verhaal met de naam'witte Nachten“; een ingetogen en zeer gestileerde blik op de onverklaarbare kracht van liefde, of deze nu wordt geretourneerd of niet wordt beantwoord. De film volgt Jacques, de dromer van de titel, een eenzame schilder, wiens artistieke proces bestaat uit het opnemen van zichzelf en het opnieuw afspelen van de opnames. Hij loopt door de straten van Parijs, maar is altijd alleen. Bij Pont Neuf ontmoet hij Marthe, een jong meisje dat op de rand van de brug staat te springen. Haar geliefde ging naar Amerika en zou haar die avond op de brug ontmoeten, maar kwam niet opdagen. Samen besluiten ze contact op te nemen met de minnaar van Marthe, met Jacques als boodschapper. Vanaf dat moment kan Jacques niet ontsnappen aan de gedachte aan de onbereikbare Marthe, haar naam opnemen en er constant naar luisteren. Hij ontmoet haar op de brug voor de komende drie nachten zonder antwoord van haar geliefde te leveren, totdat Jacques op de vierde nacht zijn liefde aan haar belijdt, zij het met klassieke Bressoniaanse terughoudendheid. Terwijl Marthe haar gevoelens probeert uit te werken, lopen ze samen door de straten van Parijs en komt Marthe haar voormalige geliefde tegen. Na een ogenblik aarzelen rent ze naar zijn armen en laat Jacques terug naar zijn atelier, opnieuw alleen om te schilderen. 'Four Nights of a Dreamer' kan worden gezien als de meest romantische film van Bresson, zowel qua onderwerp als visuele stijl, en de etherische nachtscènes waar de twee elkaar ontmoeten, doen ongelooflijk denken aan de eerste blos van romantiek, eenzijdig of niet. Er is echter een arch gevoel van absurditeit en ironie in het maken van het misschien zijn meest speelse inspanning. Alles lijkt verhoogd, de stad Parijs, mensen, lichten, rivieren en liedjes - hier krijgen we het enige gebruik van Bresson van populaire muziek, maar nogmaals, het is allemaal diegetisch, van dwalende straatmuzikanten tot een huisband op een passerende boot, tot een cirkel van hippies zitten en zingen. “; Vier nachten van een dromer ”; is ook een van de weinige Bresson-films die nog steeds niet beschikbaar zijn op dvd of VHS, die hopelijk iemand eerder in plaats van later kan corrigeren. [B-]

“;Lancelot van het meer”; (1974)
Terwijl voor Bresson-enthousiastelingen “;Lancelot van het meer”; wordt vaak aangehaald als de puurste destillatie van de unieke beeld- en geluidstaal van de regisseur. Nieuwkomers zullen de film wellicht een bijzondere uitdaging vinden. Voor het eerst bedacht in de vroege jaren '50 en uiteindelijk uitgebracht in 1974, ziet Bresson ’; s derde kleurfunctie de regisseur een resoluut revisionistische benadering van de Arthur-legende aannemen, die alle verwachtingen van ridderlijkheid en visceraal spektakel ondermijnt. Vooral wanneer het voor de eerste keer wordt ervaren, is het volkomen “; cinematografische ”; stijl resulteert in een schokkend mengsel: een rijkelijk gerealiseerde periode, bevolkt door een cast van rinkelende, gepantserde somnambulante robots. Naast de acteurs ’; onaangename uitvoeringen, Bresson vertrekt met traditie door de film te beginnen met de ridders van Camelot al overwonnen en met lege handen terug te keren van hun ijdele streven naar de Heilige Graal. Het weinige dat wordt getoond van hun daadwerkelijke zoektocht is beperkt tot een Monty Python-achtige openingsmontage, die met zijn stoutmoedige barbaarse uitwisselingen onmiddellijk conventionele noties van ridderlijke heldhaftigheid uit de weg gaat. Het dun geschetste plot betreft de illegale contacten tussen Lancelot (Luc Simon) en Guinevere (Laura Duke Condooms), hoewel ze op typische Bressoniaanse wijze grondig de-romantiseren. Bresson houdt zich echt bezig met de morele achteruitgang die de affaire vertegenwoordigt, en de manier waarop vervallen loyaliteit Arthur's reeds ontmoedigde entourage dreigt te destabiliseren. Misschien wel “; Lancelot ”; is het meest opmerkelijk voor een gevierde centrale scène, die een steekspeltoernooi abstraheert tot een hypnotiserende audiovisuele lus van hoorns, fladderende vlaggen en kletterende hoeven. [B-]

De duivel, waarschijnlijk”; (1977)
Bresson ’; s somberste, meest controversiële film, 1977 ’; s “;De duivel, waarschijnlijk”; is sindsdien een van de grootste begunstigden van de kritische herevaluatie die heeft plaatsgevonden James Quandt curated North America ’; s first major Bresson retrospective in 1998. Dat wil niet zeggen dat de film volledig zonder zijn vroege kampioenen was. In 1977 Berlinale, Duitse filmmaker Rainer Werner Fassbinder beroemde dreigde de festivaljury te boycotten als de film niet werd herkend, en het werd naar behoren bekroond met de speciale juryprijs. Maar censors in Bresson, Frankrijk, waren minder dankbaar en verbood ‘Devil’ van tentoonstelling naar kijkers onder de leeftijd van 18 als aansporing tot zelfmoord. Zelfvernietiging is het gekozen lot van Charles (Antoine Monier), de hoofdrolspeler van de film, een jonge intellectueel die berustend concludeert dat hij noch verandering in, noch aanpassing aan, een wereld in onomkeerbare fysieke en sociale achteruitgang kan beïnvloeden. Het falen van de opkomst van 1968 in het wereldwijde studentenradicalisme hangt zwaar over 'Devil', met de gedesillusioneerde Charles die zijn cohorten niet kan omarmen ’; politiek activisme. Hij vindt zichzelf op dezelfde manier niet vervuld door georganiseerde religie, seksueel gezelschap en psychoanalyse en protesteert treffend tegen zijn therapeut dat zijn enige ziekte in “; te duidelijk is. ”; En het is moeilijk te beargumenteren met zijn beoordeling, zoals de potentie van Bresson & s vernietigende veroordeling van de hedendaagse samenleving, onderbroken door documentaire fragmenten van geslagen olietankers, kernbomproeven en het knuppelen van een babyzeehond. Maar als thematisch ‘Duivel’ af en toe de kijker dreigt te onderwerpen aan een soortgelijk hameren, zorgt het gebruikelijke detachement van de regisseur ervoor dat het nooit een aanmatigende, heilzame dekvloer wordt. De klaagzang van Bresson is resonant, maar ook doorspekt met deadpan ironie, tot het feit dat het de geesteloze therapeut is die uiteindelijk Charles op de perfecte manier aangeeft om zichzelf te verlaten. [EEN-]

“;geld”; (1983)
Zijn laatste foto, gemaakt op 82-jarige leeftijd (hij leefde nog anderhalf decennium, overleed op 98-jarige leeftijd in 1999), “;geld”; is een van de meest ontmoedigende en donkerste films van Bresson; Maar om het simpelweg te beschrijven als cynisch of een morele afkeuring is het missen van de koel objectieve afstand van de filmmaker (en zijn bijtende gevoel van ironie). In 1983 verdiende de maker de regisseursprijs Filmfestival van Cannes, “; L ’; argent, ”; is losjes geïnspireerd door “;De gesmede coupon,”; een kort verhaal van de Russische romanschrijver Leo Tolstoy, en illustreert hoe hebzucht een reeks gebeurtenissen teweegbrengt die het leven van tientallen beïnvloedt. Een vals biljet van 500 frank wordt gebruikt door een paar kalme en welgestelde middelbare scholieren in een fotografie- en camerawinkel, maar in plaats van hun ouders op te sporen, zweert de gewetenloze fotomanager het briefje zelf door te geven. Yvon, een eerlijke, nietsvermoedende gasman (Christian Patey) betaalt de prijs wanneer hij binnenkomt met een factuur, wordt gedupeerd en vervolgens later wordt gearresteerd voor het proberen een diner te kopen in een restaurant met dit valse biljet. Terwijl hij tijdens het proces de gevangenisstraf wordt bespaard, leidt de wanhoop van het verliezen van zijn baan en middelen om zijn gezin te ondersteunen uiteindelijk ertoe dat dit slachtoffer de ontsnappingsbestuurder wordt in een poging tot (en verijdelde) bankoverval bij een vriend. Tijdens zijn driejarige gevangenisstraf leert Yvon dat zijn jonge dochter is overleden en zijn vrouw hem nu verlaat. En het wordt alleen maar zwakker en hartverscheurender zodra Yvon uit de gevangenis wordt vrijgelaten. Terwijl zijn bijtend beeld van klasse, sociaal onrecht en aantoonbaar het kwaad van geld kan worden bekeken door een marxistische lens, als Vincent Canby schreef in 1983, zijn vooruitzichten zijn eigenlijk “; veel te poëtisch - te geïnteresseerd in de mysteries van de geest. ”; Uiteindelijk zal “; L ’; argent ”; is een van Bresson ’; s laat-carrière samentrekkende, wrede grappen; diep deprimerend en beklijvend, het is een niet-sentimentele en gedissocieerde kijk op amoraliteit, en hoe de effecten ervan naar beneden druppelen. [EEN-]

The Lost Film: Alles behalve het ontbreken in het Bresson-oeuvre is 'Public Affairs,'Een komedie uit 1934 waarvan de enige overgebleven afdruk kennelijk enigszins is ingekort (ontbreekt wat naar men zegt één of twee muzikale nummers zijn). Helaas ontbreekt dit in de meeste of alle retrospectieven van Bresson.

Niet overtuigd van de mysterieuze kracht van Bresson? 'Ik ben alleen geïnteresseerd in de opvattingen van twee mensen: één heet Bresson en één heet Bergman,' de grote Russische filmmaker Andrei Tarkovsky eens gezegd. Terwijl “; Robert Bresson Franse cinema is, zoals dostoevsky is de Russische roman en Mozart is de Duitse muziek, 'meende Jean-Luc Godard. En het moet worden opgemerkt: zo verliefd was de 'Ademloos'Filmmaker met'Willekeurige Balthazar, 'zou hij vervolgens zijn onbekende ster werpen Anne Wiazemsky in zijn eigen films daarna (beginnend met 1967's 'De Chinezen“) En trouwde hetzelfde jaar met haar. - Rodrigo Perez, Julian Carrington, Samantha Chater & Chris Bell

Een update: Criterion heeft “A Man Escaped” uitgebracht op Blu-Ray / DVD (eindelijk een geweldige versie) en hebben hun video “Three Reasons: A Man Escaped” en het video-essay “David Bordwell en Kristin Thompson Listen to A Man uitgebracht Ontsnapt. 'Kijk hieronder.

echte detective seizoen 3 aflevering 3 samenvatting









Top Artikelen

Categorie

Recensie

Kenmerken

Nieuws

Televisie

Toolkit

Film

Festivals

Beoordelingen

Awards

Theaterkassa

Sollicitatiegesprekken

Clickables

Lijsten

Computerspelletjes

Podcast

Merkinhoud

Awards Seizoen Spotlight

Filmstruck

Beïnvloeders